Electrónica

Tipo de música que emplea para su producción e interpretación de instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.

A medida que la tecnología informática se hace más accesible y el software musical avanza, la producción musical se hace posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos, extendiéndose su práctica utiilzando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.
En esta década surgen diferentes entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical llevando a un incremento masivo en la producción musical casera disponible para el público en internet.
El avance del software y de los entornos de producción virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente solo existentes como hardware estén ahora disponibles como piezas virtuales, herramientas o plug ins de los software. Algunos de los softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.

Electroacústica

La música electroacústica tiene su origen en la fusión de las dos tendencias de la música tecnológica de tradición clásica, en los años cincuenta: la música electrónica (con sonidos generados electrónicamente) y la música concreta (generada a partir de la manipulación de sonidos concretos grabados en cinta magnética).
Es una música hecha con los instrumentos que se utilizan en la composición, donde convierten la energía eléctrica en acústica y viceversa. Los instrumentos son los micrófonos, acelerómetros, altavoces, excitadores de compresión, audífonos, calibradores acústicos y vibradores.
Los micrófonos y altavoces son sus máximos representantes. Estos son denominados genéricamente transductores electroacústicos: dispositivos que transforman electricidad en sonido y viceversa. Esta conversión de energías de naturaleza completamente distinta, se realiza acudiendo a principios físicos tales como el electromagnetismo y la mecánica.
Los elementos de procesado de audio son dispositivos que alteran o modifican de alguna manera las características del sonido, cuando éste está representado por una variable eléctrica. Las características a modificar son de índole variada como: amplitud, rango dinámico, respuesta en frecuencia, respuesta en el tiempo, timbre, etc. El procesado se lleva a cabo de manera electrónica, utilizando entre otras la tecnología de semiconductores y la tecnología digital en general.

Doom Metal

Es un subgénero del heavy metal. En español significa metal de la perdición o condenación. Es uno de los géneros más lentos, pesados y depresivos del metal, siendo además uno de los generos musicales más melancólicos, y dejando atrás temáticas gore del death metal y de otros géneros del metal extremo. Nace a finales de los 70 en el Reino Unido, es medianamente popular en Europa y poco conocido en América, excepto Chile.
El doom metal usa, por lo general, los mismos instrumentos de los demás géneros que derivan del heavy metal: guitarras, bajo y batería. Las bandas más tradicionales generalmente usan un sólo guitarrista, que hace las labores de líder y ritmo al mismo tiempo. Los otros subgéneros usan dos guitarristas para dar más poder a su música, aunque no siempre es así. Sin embargo, son muchas las bandas (en general las más extremas) que intercalan el uso de teclados, así como elementos sinfónicos como flautas, violines y arpas. Además son muchas las bandas que añaden sonidos generados por sintetizadores, últimamente en las bandas de Drone/doom. Estas, además, generalmente prescinden del uso de la batería por sus tempos largos y densos.
Los guitarristas y bajistas afinan sus instrumentos a notas verdaderamente bajas y hacen gran uso de distorsión (generando riffs muy pesados), lo que junto a los ritmos considerablemente lentos son características predominantes del género. El creador de esta forma de tocar fue Black Sabbath con su disco homónimo y todos sus contemporáneos.
 Los vocalistas del doom metal más tradicional privilegian las voces limpias, que llevan un timbre de desesperación y dolor. Por su parte, los vocalistas del doom metal épico cantan con una voz sinfónica, muy aguda. Finalmente las bandas de doom metal con influencias extremas privilegian las voces guturales si las éstas vienen del death metal mezclándolas con "palabras habladas", los gritos raspados si éstas vienen del hardcore. Por supuesto, existen bandas experimentales en cuanto a las voces que tratan de ocupar la mayor cantidad, incluyendo el barítono del rock gótico. Las bandas con influencias góticas también aprovechan las dotes de sopranos o mezzo-sopranos.
 La lírica es uno de los aspectos más cuidados en el doom metal, sobre todo si se trata de las bandas con influencias del death metal. Históricamente son pesimistas y nihilistas, incluyendo temas como: perdición, ocultismo, sufrimiento, depresión, miedo, dolor, muerte, odio, amor y simbolismo religioso.

Deathcore

Deathcore es un género musical que incorpora elementos del metalcore con el death metal.
El deathcore suele tener los riffs pesados y otros elementos del death metal, pero alejándose de la agresividad del mismo e incoporando más armonía propia del metalcore, creando así un género único.
Las letras pueden hablar de política, de la mente humana, ramas de la ciencia, derecho de los animales, religión (ocasionalmente) o la ira. Destacan en este género bandas como As Blood Runs Black, Winds of Plague y Despised Icon.
 
Guitarras: Suelen utilizar distorsión bastante saturada, afinaciones en drop (la sexta cuerda baja un tono más con respecto al resto, para hacer las quintas o power chords de forma más fácil y rápida) en re, do y si. La mayoría de las bandas se mantienen con guitarras de metalcore más agresivas, también incorporan disonancias para crear más tensión, dándole una atmósfera distinta a la del death metal, y punteos muy afilados y disonantes. También es constante el uso del palm-mute en los breakdowns y usualmente siguiendo la velocidad del doble pedal.
Bajo: Caracterizado por no seguir en el ritmo del dobel pedal, las pisadas de éste son consecuentes.

Batería: Suele ser consecuente en los golpes, así utilizando los breakdowns (motivo rítmico acompañado de guitarra y bajo, a un ritmo lento-medio, normalmente usando doble pedal), elemento tradicional en el metalcore, dando un ritmo agresivo pero no rápido en la batería, además el uso de blast beats, que es muy frecuente junto con el uso de recursos complejos añaden cierta cualidad técnica al género.

Voces: Son de expresión gutural mezclada con el efecto "pig squeal", death growls (guturales) acompañada de chillidos y gritos (screaming). Las voces limpias se utilizan como fills en ciertas canciones, pero son raras las ocasiones en que las bandas utilizan este recurso.

Death Metal

El death metal se origina en la radicalización de las tendencias musicales ya presentes en el thrash metal, pero desde una perspectiva que vuelve a enfatizar el sonido propiamente metalico, sobre todo la búsqueda de la complejidad compositiva y del virtuosismo musical, en lugar de la aproximación más directa del punk, que era la que había privilegiado el thrash original. Se suele señalar a Possessed como la primera banda de verdadero death metal, pues fueron ellos los que comenzaron a ejecutar una versión del metal que por primera vez reunía la velocidad típica, así como la voz gutural que sería el signo sonoro distintivo e inevitable del género. También se señala a la banda Mantas (que luego se convertiría en Death) como una de las primeras bandas en publicar varios demos que pueden ser etiquetadas como death metal. El trabajo de estos grupos comenzó en 1983 y básicamente estuvo bastante aislado hasta finales de la década.

El death metal melódico presenta melodías y armonías en los acordes de las guitarras. También son muy comunes las voces desgarradas, en lugar de las guturales, y las voces limpias y melódicas. Es común que se utilicen pasajes limpios o progresivos en las canciones, como así estribillos más cantables. Algunas bandas inclusive pueden sumar un teclado. Son característicos del Death Metal Melódico grupos como Children of bodom, At The Gates, Arch Enemy, Amon Amarth, Dark Lunacy, Dark Tranquillity, Dimension Zero, e In Flames. Se encuentran también bandas importantes de mención dentro de este estilo musical en otros países europeos como Nembience en Dinamarca y Norther en Finlandia y en centroamerica Treateth. Este género fue fundamental para la aparición del metalcore melódico y muchas bandas citan a la bandas de este género como fuertes influencias.

El brutal death metal consiste en usar la batería con un tempo mas acelerado que el habitual, con un enfoque más técnico, de ahí el nombre. Bandas características del brutal death metal son, Suffocation (considerados uno de los maximos inovadores del death metal al combinar brutalidad y tecnisismo caracteristicas habituales del death metal moderno, creando una corriente más underground que en los ultimos 5 años se ha ido pupularizando el llamado "Brutal Technical Death Metal"), Usurper, , Severe Torture, Cannibal Corpse (que más que nada es el padre de este estilo de Death Metal dada su relevancia historica aunque realmente sea Death Metal clasico), , Pyaemia, Brodequin, Disgorge, Houwitser, Diabolic, Kronos (Francia), Mental Horror, Abhorrence, Disavowed, Hate Eternal, Myrskog, Devourment(Inovadores en el brutal death metal a finales de los 90's creando el estilo que ha marcado la ultima decada en el modo de hacer el brutal death metal) , Gorephagia, Mindly Rotten e Internal Suffering.

 El death metal técnico es una variante más técnica del género, con partes muy complejas, incluyendo cambios de ritmo e influencias de géneros como el jazz y fusión. Death, Atheist, Edge Of Sanity o Cynic son algunas de las bandas más importantes de este subgénero. Pan-Thy-Monium, Forenssick, Quo Vadis y Aghora surgen también en este ámbito del death metal. Entre los elementos que se pueden encontrar en el género están los clásicos guturales del death metal, la batería que abarca desde los ritmos rápidos y agresivos del death hasta los ritmos alternantes y caóticos del metal más técnico y experimental. Bandas actuales de death metal técnico podemos citar a Decapitated, Necrophagist (citados frecunetemente como los sucesores de Death), Cryptopsy y Nile. Esta ultima implementando un estilo más marcado en brutalidad y tecnisismo bien combinados. Hacia el lado mas orientado al rock progresivo, la banda sueca de Death Metal progresivo Opeth tiene un sonido particular dentro del Death Metal Técnico, fusionando el death metal con pasajes acústicos, rock progresivo, jazz, progresiones de acordes y compases inusuales en el Death Metal.

La nueva Era: Brutal Technical Death Metal

Este subgenero menos popular surge directamente entre 1991 y 1993 con la aparición de la banda Suffocation, paralelamente al desarrollo del death metal técnico acargo de bandas como Death, y Gorguts. Y como su nombre lo indica es la pretención de una combinación entre la oleada naciente del death metal técnico y el brutal death metal. Alcanzo un auge hacia 1998 y el 2000 con la aparición de Nile, formada por Karl Sanders, quien originalmente se econtraba en una banda de Thrash Metal llamada "Morriha" quienes despues se movieron al marcado estilo del Death Metal influenciados por David Vincent de Morbid Angel; los rusos Scrambled Defuncts, quienes mas tarde adoptaron un estilo mucho más progresivo implementando el uso de elementos sinfónicos como cuartetos de cuerdas y trompetas; Yattering desaparecida banda Polaca muy influenciada por sus compatriotas Decapitated. A principio de la ultima decada en los primeros 5 años viene la aparición de nuevas bandas orientadas a este estilo como: Incinerate, Origin, Visceral Bleeding, Cephalic, Spawn of Possession, Insision, y los colombianos Internal Suffering, cuyos primeros trabajos estaban enfecados a un brutal death metal menos técnico. Cabe mencionar que este subgenero se ha popularizado en los ultimos 5 años con bandas como: Lecherous Nocturne, Septycal Gorge, el ultimo disco de Disavowed llamado "Stagnated Existence", Odious Mortem, Element, Decrepit Birth, Inveracity, Carnophage, Infinitum, Engaged in Mutilating, Fleshgod Apocalyopse quienes tambien han implementado el estilo sinfónico, Sarcolityc, Hideous Deformity, Aeon, Decimation, Beneath the Massacre, Flesh Consumed, Here Comes The Kraken, Monumental Torment, Anomalous, Face of Oblivion, Auticed, entre otras.

Disco

Ritmo musical

La música pop dominó la escena musical hasta el comienzo del "disco", a comienzo de los años 70. Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivo Compás de 4/4, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hi hat abierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino como merengue, rumba o samba. El uso del open hi-hat a un ritmo 4/4 se percibe claramente en temas como "The Love I Lost", de Harold Melvin & The Blue Notes en 1972, una producción de Gamble y Huff.

 

Armonías y arreglos

El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda (violines, violas, cellos...) y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual

El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con un background armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.

La música disco tiene su etapa de mayor proyección en un periodo de 10 años comprendido entre 1972 y 1982, aproximadamente, con un revival en los años 1990.

Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, como MFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).

Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público. Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.

Deep House

Deep House (o house profundo), es un subgénero de música house, mezcla de soulful y electrónica, se caracteriza por ser un sonido suave, sensual, cálido, envolvente, pero bailable a la vez, ideal para las primeras horas de una sesión o para ambientar un bar, terraza, etc. Se caracteriza por su medio tempo (aprox. 120-124 bpm), efectos ambientales como reverb o delay y la influencia del jazz, la música mediterránea y el soul. Ésta influencia se percibe en el uso de acordes más allá de las tríadas, incorporando acordes de séptima, novena, suspendidos, alteraciones, etc.

Tiene una gran influencia del sonido disco, y sus capitales son San Francisco, Nueva York (donde se le denomina garage), Nueva Jersey (con el grupo Blaze a la cabeza), Chicago e Ibiza.

Dance

Este término describe al estilo musical que nació durante el inicio de la década de los 90 del siglo pasado, siendo caracterizada por poseer melodías alegres y energéticas.

En algunos casos, se entiende erróneamente que la música electrónica es también música dance, sin embargo, ambas ramas musicales poseen diferencias entre sí, la música dance se caracteriza por poseer una estructura básica musical, por ejemplo: A/B/C/D//A/B/C//A/B/C/D. Mientras que la música electrónica rompe con los esquemas de esa "estructura". Hay derivados de la música dance tales como el Eurodance, el Synthpop, y el Italo Dance, los cuales son adaptaciones locales según la forma y el tipo de cultura que predomine en cada sitio.

 Algunos países aportaron a la formación, divulgación y expansión de este tipo de música, unión de mezclas diversas.

En Suecia se desarrolló el dance nórdico, siendo destacable el grupo "Antique", que debutó en Dinamarca y fue exitoso en Noruega, Islandia, Reino Unido, Finlandia y Grecia, además de Suecia. El éxito de este grupo fue entre 1999 y el 2004.

En Grecia, Helena Paparizou es considerada como la reina de dance.

Los moldavos de "O-Zone" que estuvo vigente con el single "Dragostea Din Tei".

Suiza aporta a DJ BoBo, que representó al país con "Vampires Are Alive" y "Freedom", conocido por la canción "Chihuahua".

Desde Alemania la banda Cascada es considerada la mas influyente del genero con su single "Everytime We Touch".

En el resto de los países existieron varios grupos que tuvieron éxito instantáneo pero la falta de temas conocidos y la escasa trayectoria musical de sus integrantes produjeron su rápida extinción. Un ejemplo de esto es el grupo Aqua, que obtuvo fama internacional por sus tema pop/eurodance "Barbie Girl" y "Dr. Jones".

Este estilo adopta varias características de otros géneros, puede incluir sonidos provenientes de diversos estilos y sub-estilos de música (House, Tecno, Trance,Pop entre otros), sin que reúna algunas características absolutamente propias, siempre es influenciado por la moda del momento. Otra característica es que la música no es compleja debido a su enfoque comercial, manejando sonidos simples y básicos, y conjugándolos con ritmos alegres, siendo muy diferente a la música Underground. Tiene estructuras pop, muy simples: estrofas, estribillos, momentos de clímax, etc. Es la variante más comercial de la electrónica. El sonido de bajo suele ser de tipo TB-303 (sin distorsionar), las letras simples que hablan de amor o fiesta (no suelen ser muy rebuscadas), los sonidos de batería son la mayoría de tipo 909, incluye pocas variaciones rítmicas, algún barrido de filtro, voces mayormente femeninas y casi siempre una melodía principal hecha con algún tipo de sonido de sintetizador con onda de dientes de sierra (que suele sonar después de un estribillo cantado).

Como toda música, se compone de varios compases marcados por el ritmo, que varía dependiendo del tipo de música electrónica que se trate, siendo diferenciado principalmente por el sub-estilo que trate. Todas las canciones usan el compás de 4/4, tan sólo variando el tempo.

D-beat

Su nombre deriva de la banda británica Discharge, pues el uso más conocido de este estilo se puede atribuir a su baterista Terry/Tezz. Por todo el mundo el D-beat es un culto a seguir y se ha desarrollado de una manera increíble en Escandinavia, Japón, y Brasil. Actualmente se expande cada vez más por todo Estados Unidos y también se comienza a tocar cada vez más en paises como España.
 En el D-beat, las bandas tienen casi exclusivamente mensajes combativos, anarquistas, destructores con relación al sistema, y siguen de cerca los mensajes apocalípticos de la guerra nuclear, muy promulgados por las bandas crust. A menudo se pueden reconocer fácilmente los grupos de D-beat ya que muchos en las portadas de sus CD, EP, LP, casetes dan un aire "dischargero" o intentan imitar portadas de Discharge. El d-beat punk apuesta siempre por distribuciones alternativas de su música de manera autogestionada y lo más apartada posible del capital, de ahí su variada distribución en vinilos para no pagar cánones a nadie, y por supuesto, odia y condena la Sociedad General de Autores (SGAE) la cual mercantiliza la música que según los ideales anarquistas, anarcopunks y por supuesto del d-beat, ha de ser libre y sin dogmas.
Mientras que las bandas han comenzado a tocar este estilo desde los tempranos años 1980, el punk y hardcore está experimentando actualmente un resurgimiento del interés en Discharge, del hardcore escandinavo y de también las influencias japonesas. Los grupos de alrededor del mundo por ejemplo Wolfbrigade y Tragedy son en gran parte responsables del movimiento hacia la fusión del sonido de Discharge que conduce a los elementos oscuros, melódicos evocadores de Amebix, mientras que otras bandas tales como Warcry de Portland o Decontrol de Canadá ejemplifican una clase de nostalgia del punk, el tocar D-beat hardcore y orgulloso de usar sus influencias en sus temas. En una columna de Maximum RocknRoll, la crítica del hardcore-punk y anteriores destruyen a cantante que Felix von Havoc predijo que la nueva tendencia más fuerte del hardcore sería una fusión de la energía y la vitalidad del hardcore junto con la pesantez y los ideales del D-beat punk.

Cumbia

La cumbia es un género musical y baile folclórico y tradicional de Colombia y Panamá.
A partir de la década de 1940, la cumbia colombiana comercial o moderna se expandió al resto de América Latina, tras lo cual se popularizó en todo el continente siguiendo distintas adaptaciones comerciales como la cumbia venezolana, la cumbia mexicana, la cumbia salvadoreña, la cumbia chilena, la cumbia ecuatoriana, la cumbia peruana, la cumbia argentina, la cumbia uruguaya, entre otras.

 La forma más auténtica de la cumbia es exclusivamente instrumental, sigue patrones rítmicos que varían de acuerdo con la instrumentación utilizada, en compás de 2/4 o 2/2, y presenta adaptaciones regionales de acuerdo con el predominio de una población indígena o negra. Es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo o las gaitas, macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas. El conjunto de cumbia es una ulterior evolución del originario conjunto de la tambora, estando el conjunto de tambora conformado por el tambor alegre y el llamador y, en algunos casos, por la tambora. Es un baile meramente cantado, como el chandé, con sus palmas y coros, junto al cual luego se sumaron los pitos de las gaitas o los millos

Crustcore

El crustcore aparece probablemente en la década de los 80s a raíz del grupo grindcore británico Extreme Noise Terror, que añadían al estilo rápido y fuerte del hardcore una distorsión mucho más grave y sucia en las guitarras, mientras las voces se expresaban de forma guturales y chillona. Estos recursos dan lugar a una música enérgica y atemorizante para recalcar la pasión reivindicativa de las letras, que suelen ser de tipo anarquistas o ecologistas centradas sobre todo en las temáticas de alarma por los problemas del mundo.

Se considera el disco Arise de Amebix como primer álbum reconocido de crustpunk. El grupo Hellbastard, fue quien en realidad acuñó el término "crust", (en su demo de 1986 Ripper Crust). Grupos representativos y clásicos del estilo crust central son Doom, Disrupt y Amebix

El género se conocía como "stenchcore" antes de ser bautizado como crust punk. El nombre viene de la maqueta de Deviated Instinct publicada en 1987, titulada Terminal Filth Stenchcore. El término "stenchcore" utilizado actualmente se utiliza también para grupos que intentant emular el sonido de los grupos pioneros de crust, en contraste con grupos que han incorporado otro tipo de influencias.

El crust punk es un estilo casi desconocido para el gran público, a excepción de los aficionados al punk. La gente que escucha habitualmente crust se les conoce generalmente como "crusties".

Existe una corriente de pensamiento que defiende la idea de que el crustcore es producto de una evolución del grindcore, sin embargo ambos géneros coexistieron e igualmente se influenciaron de bandas de death metal norteamericanas durante sus inicios. A comienzos de los 80's ya existian bandas del llamado black metal como Venom y Celtic Frost que algunos afirman que pusieron ser influencia directa del punk mas extremo, sin embargo hay que tener cuidado con esta idea, ya que a dia de hoy dichas bandas son consideradas como black metal, pero si revisamos los primeros trabajos de estas bandas nos daremos cuenta que tocaban un sonido bastante cercano a lo que sería posteriormente denominado como thrash metal, incluso en el álbum black metal de Venom, se nota una clara influencia de la banda heavy metal Motorhead y sonidos más ligados al punk rock de la época.

El crust punk es un género recurrido en muchas discográficas de punk como Profane Existence, Prank, Havoc, Life is Abuse Records o Trabuc Records en España.

Country

El country es un estilo musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado en los años 50 en detrimento del término Hillbilly, que era la forma en que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los 70.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.

Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el público masivo.

Así, el término country, actualmente es un cajón de sastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 60), el bluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos, interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el Sonido Bakersfield (popularizado por Buck Owens y Merle Haggard), el Outlaw country, cajún, zydeco, gospel, Old Time (música folk anterior a 1930), honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejemplo, la canción "Milk cow blues", una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley.

Chill Out

Estilo musical normalmente compuesto con instrumentos electrónicos, que pretende relajar al oyente. Chill out, en inglés significa: enfriar. Un disco clásico de Chill Out es el "76:14" de Global Communication Otro clásico es "Chill Out" de KLF.

El "Chill Out" se caracteriza ante todo por la forma suave en que se combinan o remezclan algunos géneros tales como ópera, Techno, música ambiental, rock y algunos otros géneros relacionados con el uso de sintetizadores, cajas de ritmos y efectos de sonido. Junto con el ambient y el lounge (éste es una variación del house), estos tres géneros han adoptado una rica variedad étnica que ha convertido al Chill Out en una subcultura que ha incubado una serie de adeptos que hallan en la armonía de los sonidos, la exaltación de los sentidos y una sublime forma de sentir la música.

El concepto llegó a la música Clásica tras haberse editado un álbum doble llamado "Chill: Classical" que, aparte de composiciones y coros de ópera, contiene algunas piezas instrumentales de Beethoven, Schubert, Vangelis, entre otros.

Al contrario del Techno original, en el que se emplean ritmos y melodías simples, rápidas y muy repetitivas, el Chill Out es más complejo, usando sonidos muy variados, y ritmos diferentes que van cambiando con el transcurso de la canción. Es una combinación de estilos que busca provocar sensaciones de armonía y tranquilidad. Alrededor de esto han surgido bares y restaurantes que manejan un concepto de diseño de interiores creados especialmente para que este estilo de música combine con su apariencia. También existen emisoras de radio internacionales que emiten únicamente este tipo de música.

Hoy en día se puede encontrar la variante "chill house", con algo más de intensidad en su línea de bajos, así como ritmos más contundentes para ser bailados.

Celta

Música celta es el término utilizado para describir un amplio grupo de géneros musicales que parten de la tradición musical popular de los pueblos considerados de tradición celta de Europa Occidental. Como tal, no existe un cuerpo musical real que pueda ser descrito como celta, pero el término sirve para unificar tanto músicas estrictamente tradicionales de determinadas regiones geográficas, como un tipo de música contemporánea de raíz folclórica con un mismo origen etnológico y musical.

El término significa principalmente dos cosas: en primer lugar es la música de los pueblos que se autodenominan celtas, a diferencia de, por ejemplo, la música francesa o la música inglesa, definidas por existir dentro de unas fronteras políticas claras. En segundo lugar, se refiere a las características que serían exclusivas de la música de las llamadas naciones celtas. Algunos, como Geoff Wallis y Sue Wilson en su obra The Rough Guide to Irish Music, insisten en que muchas de las tradiciones agrupadas en la etiqueta "celta" son ostensiblemente diferentes entre sí (por ejemplo, la gaélica y la bretona) y en realidad tienen nada o poco en común. Otros, sobre todo músicos como Alan Stivell, dicen que sí lo tienen, en concordancia con estudios más antiguos.

A menudo, por su amplia difusión, el término "música celta" se aplica a la música de Irlanda y Escocia ya que ambos lugares han producido estilos bien conocidos que comparten muchos y evidentes rasgos comunes, tanto en lo musical como en lo lingüístico (cultura gaélica). Sin embargo, es notable que los músicos tradicionales irlandeses y escoceses evitan el término música celta, excepto cuando se ven obligados a ello por las necesidades del mercado, y cuando se producen en festivales de música celta fuera de sus fronteras. La definición se complica aún más por el hecho de que la independencia permitió a Irlanda promocionar la música celta como un producto específicamente irlandés, quedando así difuminados sus lazos musicales con la vecina Escocia (lazos que han sido en gran parte restablecidos por los músicos modernos). Escoceses e irlandeses, aunque distintos y separados en lo político, comparten una misma ascendencia cultural y, por consiguiente, puede hablarse de un patrimonio musical celta (o gaélico) común a ambos.

Los instrumentos básicos usualmente empleados en la composición e interpretación de música celta son la gaita, el bodhrán, el violín, el tin y low whistle y/o la flauta travesera irlandesa, la bombarda y el arpa celta.

La identificación de características comunes en la música celta es problemática. La mayoría de las formas musicales populares hoy consideradas como característicamente celtas fueron (y a menudo siguen siendo) comunes a muchos otros lugares de Europa Occidental. Existe un debate sobre si las jigas irlandesas fueron adaptadas de la giga italiana, forma típica de la era barroca, por ejemplo, mientras que la polca tiene su origen en la tradición checa y polaca.

Hay géneros y estilos musicales propios de cada país celta debido a las tradiciones individuales de canto y a las características de sus lenguajes específicos. Los Strathspeys son específicos de las Tierras Altas de Escocia, por ejemplo, y algunos han teorizado que sus ritmos imitan los de la lengua escocesa

Candombe

Es una manifestación musical nacido por parte de los africanos que llegaban como esclavos a Montevideo, como una forma de agregar comunicación, danza y religión entre ellos. Su origen se remonta a fines del siglo XVIII en el Virreinato del Río de la Plata, lo que hoy es Argentina y Uruguay, con su característico tamboril y sus personajes prototípicos. Originalmente concebida como pantomima de la coronación de los reyes congos, imitando en la vestimenta y en ciertas figuras coreográficas, unió elementos de la religión bantú y la católica. Si bien es original de la actual Angola, de donde fue llevado a Sudamérica durante los siglos XVII y XVIII por personas que habían sido vendidas como esclavos. Es de gran importancia remarcar que en su danza no existe imitacion alguna por parte de los ejecutantes de su danza hacia sus amos (en esa época) sino que utilizaban su vestimenta en días de fiesta como conmemoración de días religiosos de la cultura.

El candombe uruguayo surge en Montevideo debido a su puerto natural de la época que facilitó la constitución de Montevideo como principal centro comercial de trata de esclavos junto con Cuba.

El candombe termina adquiriendo su actual fisonomía en el Barrio Sur y el barrio Palermo durante los siglos XIX y XX. La mayoría de los negros se mezclaron en lo que hoy es la cultura global.

Si bien el candombe se toca todo el año por las barriadas montevideanas, en febrero se realiza en dos barrios, Barrio Sur y Barrio Palermo de Montevideo el desfile de llamadas, que involucra a decenas de comparsas. Cada una está formada por unos cincuenta percusionistas como mínimo, quienes se complementan con un cuerpo de bailarines y los diversos personajes propios del género.

El candombe es también un ritmo que se usa en Uruguay como base para canciones y composiciones de distintos estilos musicales. Los instrumentos utilizados en Uruguay son: Tambor Chico, Tambor Repique y Tambor Piano

La influencia africana no fue ajena a la Argentina, donde el candombe también se desarrolló con características propias. En Buenos Aires hay población negra africana esclavizada desde su misma fundación, en 1580. Sin embargo su permanencia en la cultura argentina fue prácticamente extinta debido a hechos como la epidemia de fiebre amarilla y la Guerra del Paraguay que diezmaron la población negra y la llevaron al borde de la desaparición y, con ella, sus rasgos identitarios ancestrales.

Últimamente algunos artistas han incorporado este género a sus composiciones y crearon grupos de candombe argentino y ONGs de afrodescendientes, como la Asociación Misibamba, Comunidad Afroargentina de Buenos Aires. Sin embargo, es importante tener en cuenta que el Candombe de Uruguay es aún el más practicado. Debido a la inmigración de uruguayos y por lo seductor de su ritmo que cautiva a los argentinos. Por ese motivo no solo que estudian su música sino también su baile y personajes que recrean de una forma parecida. Los instrumentos utilizados en Argentina son: Tambor Llamador o Tumba, Tambor Contestador o Repicador, Taba y Masacalla

Calipso

Es un género proveniente de Trinidad y Tobago, y popular en la mayor parte del Caribe y países de la zona norte de Sudamérica. Lo particular que tiene este género es el uso de tambores metálicos, muy utilizados en los carnavales de Trinidad, los cuales se crearon por la necesidad de percutir que tenían los descendientes de los africanos en estas las islas y, dado que no poseían ningún instrumento, empezaron a percutir los barriles, los cuales se fueron abollando y luego estableciéndose alturas definidas, lo que harían que en el futuro el instrumento se pudiera templar con una escala cromática. El calipso venezolano o calipso de El Callao, cantado tradicionalmente en inglés, se hace a partir de una batería rítmica de percusión basada en el bumbac, acompañada de charrasca, campana o cencerro y cuatro (cuatro venezolano). Comúnmente se adiciona además teclado, bajo eléctrico, instrumentos de viento, voces masculinas y femeninas.
Los intérpretes y compositores de calipso que han estudiado la cultura musical de Trinidad y Tobago memorizando sus ritmos y estructuras tradicionales para incorporarlas a su música son conocidos como calypsonians. La creatividad de algunos de ellos hace que sean capaces de improvisar un calipso a partir de cualquier tema, llegando a competir entre ellos en sesiones ad hoc realizadas durante el carnaval de Trinidad y desde la década de 1950, en competiciones organizadas.
Los calypsonians más importantes del siglo XX son Lord Kitchener, Roaring Lion, Lord Invader, Mighty Sparrow (en Trinidad y Tobago), Lord Cobra y Lord Kitty en Panamá y Walter Ferguson (panameño nacionalizado costaricense).

La Música

Se dice que la música nace junto con el hombre. El hombre primitivo encontraba la música en los sonidos de la naturaleza y en su voz. La música tenía dos significados, el baile y el canto representa la vida, y el silencio y la quietud representa la muerte.

En la prehistoria la música se presenta en los rituales de caza, guerra y/o fiestas, donde danzaban alrededor del fuego. La música se basa en ritmos y movimientos de animales

En Sumeria, hace 50 siglos, se contaba con 2 instrumentos, de percusión y de cuerda (lira y arpa), los cantos eran lamentos sobre textos poéticos.

Los primeros instrumentos fueron:

a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos, son instrumentos de percusión, hueso contra piedra por ejemplo.

b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.

c) Cordófonos: de cuerda, el arpa.

d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con agujeros.

En el Antiguo Egipto, se reservaba el conocimiento sólo para sacerdotes, teniendo entre sus instrumentos el arpa, de cuerda, y el oboe doble, de viento. En cambio en Mesopotamia los músicos eran acompañantes privilegiados del monarca, utilizaban generalmente el arpa; Mesopotamia se considera el origen de la música occidental.

 

En la Antigua Grecia se vio influenciada por las civilizaciones cercanas tanto en música como en los instrumentos. Para ellos era muy importante el valor educativo y moral de la música, por esto que esta relacionada con el poema épico. Aparecieron los bardos que iban de pueblo en pueblo tocando música con una lira, y recordando la historia de Grecia y sus leyendas, dándole a la música un significado filosófico.

 

La cultura de la Antigua Roma con la Antigua Grecia se fundieron. No hubo grandes cambios, sólo evolucionó, variando a veces en su estética. Se utilizaba la música en los teatros o anfiteatros, donde tenía un papel trascendental en la obra.

En la fundición de Roma, se encuentran los ludiones, que eran actores etruscos, que bailaban al ritmo de las tibiae. Los romanos intentan imitarlos añadiendo la música vocal, dandole inicio a los histriones, que significa bailarines en etrusco.

 

En la China Antigua la música era de máxima consideración, hasta hoy prevalece impregnada en la cultura China. En el teatro chino siempre se utiliza con una armonía social. Por sí solos descubren los sonidos emitidos por tubos, utilizando variadas notas musicales y escalas en su sistema tonal.

 

En la Edad Media aparecen los cristianos, que realizaban alabanzas a Dios en forma de cánticos. Los cristianos buscaban una nueva forma de música, ya que no querían igualarse a los romanos. Este género se caracteriza por usar sólo la voz humana, sin acompañamiento instrumental; se dice también que utilizan el canto alterno, que consiste en dos coros, uno canta una estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.

También esta el canto Gregoriano, que es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Es utilizado como medio de expresión de mensajes y medio de expresión religioso. Normalmente es de autor desconocido y cantado sólo por hombres, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son obras redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros.

 

En la época del Renacimiento aparece la escuela flamenca, en los Países Bajos es donde la polifonía recibió un mayor impulso y alcanza su resplendor en los Siglos XV y XVI. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa; estos músicos tuvieron una gran influencia en casi todos los centros musicales de Europa.

Además de los músicos que se dedicaban a la polifónica, apareció la música renacentista: francesa, las peculiaridades de los compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extrovertido, se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del texto; italiana, que reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. Existían dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en singular), eran canciones estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. Sus textos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. La contrapartida religiosa de la frottola fue la lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior llamada música; inglesa, se destaca el compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd; alemana, entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz, aunque éstos no escribieron la música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude; y por último la española, la música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe, incluso el mismo Alfonso X «el Sabio» compuso las cántigas bajo la influencia árabe, ya que era un gran admirador de su cultura.

 

En la época del Barroco, la música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente, siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750–1760. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.

 

Después llegó el Clasicismo. Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII.

La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela de Mannheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.

Esta escuela contribuyó a:

• Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.

• Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.

 

En 1800 llega el romanticismo; el lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Consiste en la interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. La estructura general es A B A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. El creador del lied es Schubert, sus principales temas eran la muerte, el amor y la naturaleza.

 

En 1870, la época del posromanticismo, aparece el movimiento del expresionismo. La música expresionista se caracteriza por el intenso empleo del cromatismo y por la tensión expresiva, a menudo teñida de pesimismo.

 

El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones.

 

A inicios del siglo XX comienza uno de los primeros movimientos de vanguardia, el futurismo: Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a cualquier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.

Música del realismo socialista 

El realismo socialista es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comunismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin.

 

El siglo XX estará marcado por dos grandes acontecimientos que serán muy decisivos en la historia de la música occidental, y marcarán el avance posterior que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de 1908 y 1913 con el atonalismo de Schonberg y los salvajes ritmos de "El Pájaro de fuego" de Stranvisky, en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes.

 

A partir de ahí, la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas, los instrumentos, los colores, la tonalidad, el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del canon imperante de Monteverdi a Wagner, cuando con sus grandes óperas se demostró que el sistema tonal vigente ya estaba en sus límites y no podia dar más de sí ni ofrecer nada nuevo, y las grandes formas como el concierto, la sinfonía, la sonata ya estaban caducas y superadas a principios del siglo XX.

El segundo gran evento y el más reciente es el nacimiento y auge de un nuevo tipo de música que es totalmente diferente de las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento la música: la étnica y la occidental, la popular. Este tipo de música nacerá hacia 1900 con el género más antiguo de esa música, el Jazz, pero no se asentará ni truinfará definitivamente hasta mediados de siglo con el truinfo arrollador del Rock y Pop de corte anglosajón y americano con Elvis Presley, momento en que se extiende por todo el mundo.

 

En ese momento, la música occidental de origen europeo pierde la unidad que conservaba desde su nacimiento en la Edad Media, ya no hay un tipo, sino dos. A partir de ese momento la que se venía tocando desde hace siglos se la conocerá de forma coloquial como música "clásica" y la nueva será la música "popular".

Con el auge de la música popular, y de forma simultánea, nacerá y se expandirá conjuntamente con el nuevo tipo de música la industria musical. El efecto de la música popular y la industria que viene con ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media.

Uno de los últimos intérpretes más reconocido, y considerado el Rey del Pop, es Michael Jackson, marcando un antes y después en la música Pop; fue director de sus videos musicales, los cuales eran videoclips de larga duración, parecían casi una película, esto se debe a que Michael Jackson quería ser actor. Además de crear videos, también se encargo del baile y la coreografía en sus conciertos y en sus videos, uno de sus pasos más conocidos es el paso lunar, y la coreografía que creo para el video de la canción Thriller.

  

En la actualidad, en la mayor parte del mundo se realiza música que es comercializada, generalmente se hacen fusiones, los artistas realizan colaboraciones con distintos género, también a partir de las influencias de algunos géneros entre sí nacen otros nuevos, generalmente son ritmos latinos pertenecientes al grupo de la música urbana. Es el caso del Reggaetón, que nació a partir de la fusión del Reggae, el Rap y el Hip Hop; muchos artistas han mezclado distintos géneros, y han colaborado en la interpretación, incluso muchos artistas latinos están ganando un espacio muy grande en la industria musical, llegando a otros continentes, principalmente Europa, uno de ellos es Luis Fonsi, cantante de Balada que tiene canciones Pop, Reggaeton, Rithm and Blues, Electro, Salsa, etc, que ha ganado fama en España y ha colaborado con distintos artistas Europeos, entre ellos el español David Bisbal y Antonio Orozco.

 Artistas de Bachata, Romeo Santos y Prince Royce principalmente, han colaborado en el Reggaetón, al igual que el rapero 50 Cent, incluso se han hecho mezclas con el Merengue; Daddy Yankee que es nombrado como el máximo exponente, posee canciones que podrían considerarse Electro-Pop.

En la actualidad aparecen muchos géneros que son urbanos, van ganando polularidad entre los jóvenes, además, los géneros son mezclados haciendo nuevas fusiones que hagan crecer la música, dando un crecimiento ilimitado a esta, ya que cada día aparece algo nuevo, y nadie sabe hasta donde podría llegar la evolución musical y las fusiones que cada día se hacen más comunes. En el futuro de seguro apareceran nuevos géneros y artistas que mezcle uno que otro género entre sí y crear algo nuevo, tal vez sean la mayoría movimientos urbanos como ha sido últimamente, que se mezclen con el Pop, Electro-Pop y/o Balada. Hasra ahora el género que ha ganado un gran espacio es la Bachata, además de un nuevo exponente de este género, Prince Royce, que lleva pocos años en la música y ha ganado una gran fama internacional.

Breakbeat

Es un término utilizado para describir varios subgéneros de música electrónica, generalmente caracterizados por el uso de patrones rítmicos diferentes del 4/4.

En los primeros años 1990, los músicos y productores de acid house comenzaron a introducir breaks en sus producciones. Nace así el breakbeat hardcore, también conocido como rave music. Posteriormente, la escena hardcore se dividió en dos subgéneros, el jungle por un lado, y el happy hardcore por otro.

Hacia 1992 nació un nuevo estilo, denominado "jungalistic harcore"an sus patrones de batería cambiantes, que inducían al baile cercano al estado de trance que solía predominar en las raves donde el sonido se basaba en patrones de 4/4. Desde entonces, multitud de géneros de música electrónica de baile se han estructurado sobre estructuras que no utilizan el four-on-the-floor típico del house o techno, sino que se basan en el uso de breaks.

 Con la llegada del sampling digital y la edición musical por ordenador, la creación de breakbeats se ha vuelto mucho más sencilla. Ahora, en vez de cortar y manipular secciones de una grabación, o de rebobinar constantemente dos discos al mismo tiempo, existen programas de ordenador utilizados para cortar, pegar y crear loops con breaks infinitamente. Además, se pueden añadir efectos digitales a los ritmos, como filtros, reverbs, reverse, time stretching y pitch shifting.

 Con el aumento de la popularidad de la música breakbeat y el advenimiento de los samplers digitales, algunas empresas comenzaron a vender "paquetes de breakbeats" con el objetivo declarado de ayudar a los artistas a crear breakbeats. Un CD con un kit de breakbeat contendría samples tomados de diferentes artistas y canciones, muchas veces sin el permiso de los autores de las piezas originales o sin siquiera su conocimiento.

 Breakbeat (o funky breakbeat) puede también referirse a la música que practican algunos grupos cuando tocan funk y soul con un énfasis especial en los elementos que se hicieron populares en el hip hop y en el breakbeat posterior. Este sonido se caracteriza por sus tempos lentos (80-110 bpms) y ritmos orgánicos.

Bossa Nova

La bossa nova es un género musical de origen brasilero que surgió a finales de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Río de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales pioneros de este género en Brasil.

 Recogió los rasgos distintivos del samba callejero, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad.

 La bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su éxito internacional estuvo limitado a pequeños períodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta.

Bossa refiere a una erupción cutánea. Un brote espontáneo. En el ámbito musical, refiere a la inspiración, el brote natural del músico.

“Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”, “instinto” o capacidad natural. Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes de la grabación de “Chega De Saudade”.

La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa). En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada, como puede escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto. Incluso en los arreglos de jazz de más envergadura, que se hacían para grupos hay casi siempre una guitarra que lleva el ritmo principal.

Aunque no sea tan importante como la guitarra, el piano es otro de los instrumentos que se usan en la bossa-nova; Jobim escribió para el mismo e interpretó en él la mayor parte de sus grabaciones. El piano ha servido también como puente estilístico entre la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos dos géneros se influencien el uno al otro.

Un instrumento que marcó a este genero y le dio la particularidad de su sonido, fue el cavaquinho; es un instrumento portugués, en forma de guitarra pero mucho más pequeño, que antes de que se introdujera en la Bossa, se usaba sólo para acompañar en las canciones,en cambio, en este ritmo, se ve como protagonista muchas veces en innumerables solos.

Los tambores y la percusión no se consideran una parte esencial, de la instrumentación en la bossa-nova (y de hecho los creadores tendían a prescindir de ellos), aun así hay un estilo de percusión definido en la bossa-nova, caracterizándose por corcheas continuas en los timbales (imitando el pandero del samba) y golpeando ligeramente el aro, generalmente en un ritmo de dos compases en el que en el primer compás se golpea a contratiempo y en el segundo a tiempo.

Black Metal

Los instrumentos usados son voz, guitarra, bajo y bateria. Su origen es europeo, de los años 80.

La característica principal son las letras anti judeo-cristianas. La mayoría de grupos utilizan un método simple en la composición de la música, mientras que otros se caracterizan más por la técnica. El black metal originario, de primera y segunda oleada, se caracteriza por un sonido «crudo» a base de guitarras muy distorsionadas, y batería acelerada derivada del thrash metal. El satanismo, bien simbólico o como un auténtico dogma de fe y ser altamente religioso, suele ser la esencia de la mayoría de bandas de black metal, siendo acompañadas normalmente, por sentimientos profundamente marcados por el odio, la misantropía, la violencia, la guerra, la sabiduría y, sobre todo el ocultismo, siendo antimonoteístas.

Los integrantes de las bandas usan pseudónimos con nombres cabalísiticos, mitológicos o con significados asociados a la oscuridad del género. A veces es difícil saber el verdadero nombre de los artistas.

 Fue la banda Mercyful Fate la que introdujo por primera vez la pintura corporal en una banda de heavy metal, más concretamente en el rostro de su líder King Diamond. Cabe señalar que esta clase de maquillaje conocido como corpse paint (en español, «pintura cadavérica»), warpaint o facepaint ya había sido utilizada por bandas de rock como Kiss, Misfits o Alice Cooper utilizando este recurso escénico para atraer mayor atención sobre su música. Esto provocó disputas entre el grupo Kiss y King Diamond, tras lo cual este último se vio forzado a modificar su diseño para no asemejarse al de Gene Simmons, bajista y vocalista de Kiss.